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对不起我实难赞同您在问题描述中用“小学生水平”来形容这首歌的level甄嬛传片尾曲歌词，至于你说的“怪”有没有它的道理，我们可以探讨。术业有专攻，这首《凤凰于飞》我只能分析得粗暴一点：如果把它的和声序列切成好多片段的话，每个片段大体上还是在大小调体系中的，地狱难度的部分是用五声调式的旋律线把这些片段穿插起来并且在转调时过渡自然不失五声调式特性。刘欢当真炫得一手好技，听完搁嘴说容易，写作起来绝非一般素养可以企及。
下面说人话甄嬛传片尾曲歌词：
刘欢到底咋想的，不敢斗斛以量，只能结合一点小经历表达一下小观点甄嬛传片尾曲歌词。
创作者或早或晚都会经历这样一个阶段甄嬛传片尾曲歌词：因轻车熟路而日渐趋于程式化的创作已经不足以为你提供有效的刺激，你因此时常感到乏味和寡淡，一道空气组成的无形墙体隔开了那些触手可及的东西，你并不知道该朝哪个方向挥动拳头。
此时相当一部分人会选择去扬弃、去解构、去破守离，这是人之常情，也是道之所存。生命得以从单细胞生物衍化至今，仰仗于基因在传递过程中不完美的复制，同理，创作中“突变”的价值，往往不集中体现在当下，“突变”的合理性因受到时代、语境、主流审美取向、理论发展的程度等因素制约，也尚需讨论。突变的真正意义，在于提供了多样化的可能性，它不需要是对的，大部分时候也无从分辨对错，因为总有一部分东西可以留存下来并为后来者继承发展。就像第一个把拾音器安装到吉他上的人，会尽一切可能还原乐器本来的声音，直到被一群人拙略效仿并错误地使用功率放大器把声音弄得一团糟，听到这种粗粝中带有毛刺感的声音，有人会说“卧槽这不劈了么”，有人会说“去他大爷的，再劈点儿试试”，于是后者那一脉创造了摇滚乐最重要的声音标识----失真。
小鸡儿不尿尿，各有各的道，全部区别就在于守什么离什么、扬哪个弃哪个，总有一些人不停地试探多样化的边界，他们当中有人顾此失彼、有人左右逢源、有人切磋琢磨追求细节的极致、有人秉承重剑无锋大巧不工的原则删繁就简、也有人也有人沉浸于使自己巨满足巨有成就感但别人无从知晓但的改变，正是因为这些人成功、或不成功的离经叛道，生于后来者时代的人才能有幸听到不同于前人的声音。
我们都是“怪”的受益者，因为我们今天习以为常乃至不以为然的所有表现手法，在历史上的某一阶段都曾是先锋的、颠覆性的，所有开基立极的大作曲家皆如此，并承受着不被他所在的时代理解的天尴地尬。比如在我心中地位至高的柏辽兹和继承他精神衣钵的瓦格纳，这爷俩儿无论生前身后，被同行和受众诟病已经是常态。讲真，哪怕在今天，哪怕我是一名躁躁的摇滚乐手，我还是觉得后者的一些乐段从音响效果的角度讲都不比建筑工地更取悦于耳朵，波特莱尔曾用特别没诗意的语言形容瓦格纳的音乐是“猫爪子挠玻璃”，而罗西尼说《罗恩格林》看过第一遍不知如何评价，第二遍又实在看不下去。。。但我们不能没有瓦格纳，否则我们今天听到的电影配乐不会有与情节或人物紧扣的主导动机，而且新娘入场的时候就只能吹唢呐了（注：门德尔松习惯上用在婚礼结束时）。再举一个例子，在swing尚未没落的时代，bebop横空出世，用几近野蛮的方式突破了早期大乐团一成不变的演奏方式、单调的节拍和有些音乐常识便不难预知的和声进行，爵士乐从此才证得正果，成为它本应该成为的天马行空的样子。很多人会觉得smooth和easy-listening直觉上更好听，不假，音乐不以欣赏难度论高下，我只是想说，如果你有意地去尝试着培养其它方向的审美，八成会发现此中自有奇趣。
所以，你感受到的“怪”，本质上是件好事，它一方面满足了创作者出离寻常事物的渴望，另一方面或许会让你走出审美安全区之外探索其它的可能性，当然选择不走出去也完全没毛病，这一点谁都不能judge。
在2007年之前我对于刘欢的印象大体上停留在少年壮志不抽烟的阶段，直到在电视上看到他演唱为北京奥运创作的歌曲，可能是叫《同一个世界同一个梦想》。惊艳于主歌部分polyrhythm的巧妙使用和副歌部分出乎意料的和声进行，尽管为了节目效果这首歌无可避免地运用了偏土嗨向的晚会歌曲配器，但仍然显得高洁不媚俗，如果这不叫突破不叫追求，我真的不知道什么才是了。我不太相信“江郎才尽”这一类字眼，因此也有理由认为，如今创作风格更加“吊诡”的刘欢，功力又精进了。
想象力和胆识，这两样东西在艺术创作中，真的无比重要。我们听到或看到的令人费解的作品，大都有着完整的内在逻辑，再加上一点儿“作（zuō）”，而我们的注意力往往过多地被“作”的表象吸引，导致不能理解创作者的真正意图。我也有不太能理解得上去的东西，比如我曾经因工作需要反复听了半年多Miles Davis，有些乐句倒背如流却消化不掉；比如我的偶像之一Trent Reznor的配乐作品，真是特么的一边贼拉喜欢一边讲不出来喜欢的道理；比如青年作曲家田景伦的这首《三句半》，于我而言欣赏难度远大于马克罗斯科，如果有天我成功解读了这首作品，一定写篇乐评并附上电吉他翻弹版本。
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